Arte Conceptual 101
Autor Original: Michelle Clay (Seedling)
Documento Original: [link]
Traductor: ~avencri


Así que te gusta dibujar personajes, monstruos, espadas, pistolas y naves espaciales. Te has dado cuenta de que hay gente que hace esto de manera profesional para películas, televisión y juegos. Tienes una libreta de bocetos en tus manos y te andas preguntando como pasar de tu libreta al trabajo. ¿Qué clase de cosas deberías dibujar? ¿Qué clase de materiales y medios debes de aprender? ¿Deberías dibujar de fotografías? ¿Directo de la vida? ¿Del trabajo de otro artista? ¿De la imaginación?

Te puedo ayudar en estos primeros pasos. Mi nombre es Michelle Clay. Trabajo en una compañía llamada Turbine, donde hago arte en 3D para juegos y   (mas recientemente) he trabajado como diseñadora creando niveles de juegos. No soy una artista conceptual, pero trabajo con ellos, y por un tiempo en la universidad mi mayor meta fue ser una artista conceptual. Me gradué del departamento de ilustración de RISD en el año 200. Así que no puedo darles muchos consejos de cómo obtener un nivel requerido para un trabajo de artista conceptual, pero puedo decirles como lograr obtener ese nivel.

El siguiente texto es un salón de clases. Les asignaré información y tareas. Voy  a asumir que todos ustedes tienen a su disposición una libreta de bocetos y un lápiz, pero algunas de las tareas requerirán de color.  Estas se presentarán en ningún orden en particular. ¡Tómense la libertad de saltarse a las tareas que les van a ayudar más! Si quieren participar, pueden publicar su resultado aquí mismo. También pueden publicar sus preguntas y comentarios. ¡Oh, si eres un artista conceptual profesional, tomarse la libertad de compartir su conocimiento!

Para aquellos interesados,  en el foro de discusión de contratación y empleo en la industria de los videojuegos tengo una discusión de foro similar ([link]. La información en la otra liga es más avanzada y especializada e incluye tareas que requieren de software de arte en 2D y 3D, pero algunas no requieren tanta tecnología.

Muy bien, aquí vamos…





El arte conceptual es una rama de la ilustración

¿Qué es la ilustración? Dictionary.com dice lo siguiente de la palabra “ilustrar”:
1. Adornar (un libro, revista, etc.) con dibujos, imágenes u otro trabajo con la intención de explicar, iluminar o adornar.
2. Hacer algo claro o legible, por medio de ejemplos o analogías; ejemplificar.
3. Iluminar.
4. Clarificar las palabras de uno, los escritos, etc., con ejemplos: Para evitar malentendidos, déjame ilustrarte.

Así que, una “ilustración” es arte que comunica algo.

Hay muchos aspectos de las bellas artes que caen dentro de la categoría de la ilustración. Cualquier imagen que nos cuente una historia o represente a un objeto es ilustrativo, ya sea que nos comunique algo complejo como una escena de El Señor De Los Anillos, o algo tan simple como “caballo” u “hombre”.
Lo que hace al arte conceptual diferente de la ilustración es que la audiencia no es la persona que lee un libro, juega un juego o mira una película. La principal audiencia de un artista conceptual son otros artistas,  y la gente envuelta en el desarrollo del producto final. El arte conceptual es el diagrama que se usa para hacer mas arte. También es algo que se usa para comunicarse con el dueño de los derechos de propiedad intelectual  del proyecto, y también puede ser una base para lograr financiar un proyecto.

Si quieres una educación formal que te prepare para ser un artista conceptual, entonces estudia ilustración.

                         



Así que tienes tu libreta de bocetos. Te has divertido dibujando a Spiderman, y algunas personas te han dicho que deberías dibujar lo que vez en la vida, pero dios mío, la naturaleza muerta es muy aburrida. ¿Por qué molestarse con ello? ¿Cómo puede ser que el dibujar un zapato me ayude a dibujar mejor a un superhéroe?

Las siguiente tareas te ayudarán a responder estas preguntas.




Escoge un objeto de la vida real a dibujar, Puede ser un zapato, un carro, un árbol- cualquier cosa que esté disponible a la observación directa. Toma tu libreta y  dibújalo. Deja un espacio en la misma página  o en la que se encuentre en frente para la segunda parte de esta tarea.

Usando el primer dibujo como guía, dibujar el mismo objeto en la misma posición – pero cambiándolo de alguna manera.  Agrega elementos imaginarios. Si es un carro, podrías agregarle curvas a las líneas para que parezca algo salido de una película de ciencia ficción. Oh convertirlo en un autor volador. O darle un coloreado en forma de llamas, alerones y llantas de camión monstruo. Puedes hacerlo steam-punk, acuático o convertirlo en un vejestorio de mil años.

Al hacer esto en dos pasos, tienes el beneficio de la observación directa, y tienes el reto de inventar algo de tu imaginación y comunicarlo.




¡Los autorretratos son difíciles! También son la mejor manera de prepararse para dibujar uno de los sujetos más difíciles que un ilustrador puede dibujar: el humano. Si quieres ser un ilustrador de cualquier clase, debes aprender a dibujar personas. No tengas miedo de cometer errores, solo inténtalo y sigue intentándolo hasta que tus resultados no apesten.

Para esta tarea, consigue un espejo y dibújate. No, nunca una fotografía, usa un espejo. ¿Todo dibujado? ¡Genial! Ahora agrega algun element inventado. Podría ser un sombrero loco,  o una camisa de places o un tatuaje facial. Puedes convertirte a ti mismo en un Klingon, o agregar alas de hada.
Sea lo que sea que agregues, rétate a ti mismo a que los elementos imaginados sean parte del dibujo. Deberá parecer que la imagen completa fue dibujada por medio de la observación.




Esta tarea es justo como el autorretrato, excepto que en vez de dibujarte a ti mismo, debes dibujar el escenario o un espacio interior. Agregar elementos imaginarios. Por ejemplo, dibuja un pasillo en tu casa,  pero con una gran fisura en el medio llena de lava. Oh dibuja los edificios de tu calle, pero agrégale torrecillas armadas y cañones.  Oh un campo con árboles, con una manada de animales inventados.
Una vez más, el reto es hacer que los elementos imaginarios parezcan ser parte de la observación.


                        


Hay cuatro maneras en que la fotografía puedes ser útil para los ilustradores: copia directa, inspiración, referencia e inclusión.

Hay mucha discusión en conceptart.org acerca de usar las fotografías como “referencia” cuando esto en realidad es “copia directa”. Desde la invención de la cámara, muchos artistas famosos han hecho arte de calidad de museo copiando directamente de fotografías. Pero lo que es olvidado por los artistas novatos es que A. estos artistas tomaron las fotos ellos mismos, B. estos artistas ya sabía cómo pintar el sujeto, y  C. estos artistas no eran artistas conceptuales.

Copiar fotografías es un atajo para los ilustradores que ya son maestros del tema y necesitan apurarse. Para un novato, el hábito de copiar fotografías es una muletilla que te va a perjudicar.

Pero esto no significa que nunca debas acercarte a una fotografía. En lo contrario, es por medio de fotografías que podemos ver las partes de un mundo que normalmente no sería visible. ¡Usa libremente las fotografías para inspiración!

Por “inclusión” me refiero a usar fotografías directamente en tu arte. Esto se aplica en el collage y también en hacer texturas foto realistas en modelos 3D. La inclusión no es útil si estas tratando de obtener las habilidades necesarias para ser artista conceptual.

¿Y que hay acerca de la abusada palabra “referencia”? Refernecia no quiere decir copiar. Significa usar la información contenida en una imagen para comprender major el tema. Por ejemplo, si vas a dibujar a un manatí,  y por casualidad no tiene un manatí vivo o un modelo disponible. Lo que debes hacer es conseguir fotografías de manatíes, usar esas fotografías para ganar conocimiento de la forma del manatí en 3D. Usando la imagen mental de 3D, puedes dibujar un manatí en cualquier pose y ángulo.




Escoge un tema, ya sea una llama, un carro antiguo o una mantis religiosa. Usa la biblioteca o el internet para encontrar fotografías de tu sujeto en varios ángulos. Estudia el objeto hasta que sientas que lo entiendes. Entonces, dibuja el objeto de una perspectiva que no sea usada en ninguna de tus referencias. Examina las fotos  en cualquier momento por información que necesites, como la forma de las articulaciones de la mantis o las proporciones de las ruedas del carro.




Para esto, necesitarás una cámara.

Busca un sujeto interesante y fotografíalo de varios ángulos. Repite la tarea anterior usando estas fotografías.

Si tu planeas usar fotografías como parte de tu proceso artístico, entonces necesitas ganar el hábito de tomar tus propias fotografías. El internet está lleno de imágenes de cualquier cosa, pero su calidad es terrible – y no eres dueño de los derechos de esas imágenes. Así que consíguete una cámara y aprende lo básico de fotografía.



                         


Existen muchos mitos acerca del arte. Uno de ellos es que es una empresa noble y solitaria. Es en algunos casos noble, pero en el contexto de la ilustración raramente es solitaria. Muchos artistas emergen de su educación sin realmente haber confrontado la idea de que un ilustrador tiene que trabajar con otras personas que le estarán diciendo que tiene que hacer. El resultado es un nada cómodo choque de egos, desilusión del artista y un dolor de cabeza para el director de arte.

Así que en vez de esperar por tu primer experiencia con un director de arte, puedes probar una como un juego.




Dibuja algo imaginario. Puede ser cualquier cosa. No pases mas de una hora en el dibujo. Esto es sobre tener una idea en papel y repetirles.

¿Lo dibujaste? Bueno. Ahora, consíguete un dado de veinte caras. Si no tienes un dado de estos, rompe un papel en 20 partes, enuméralas y revuélvelos.

Ahora, tira los dados o saca uno de los papeles. Y busca el número en la siguiente plantilla.

En una hoja nueva, dibuja el mismo sujeto. Pero altéralo de acuerdo a los lineamientos establecidos por el número que escogiste. No pases más de una hora en el dibujo. Haz algo de investigación antes de comenzar si no entiendes los lineamientos que te piden.

¡Adelante!

1. Hazlo tenebroso.
2. Hazlo estilo Art Nouveau.
3. Redúcelo a la máxima simplicidad.
4. Duplica los detalle sinteresantes.
5. Redibújalo como si fuera un dibujo oriental en tinta.
6. Agrega follaje.
7. Agrega cuernos, espinas y otras cosas puntiagudas.
8. Reemplaza uno de los elementos importantes con algo tierno.
9. Reemplaza algo con un elemento de cultura o arquitectura japonesa.
10. Reemplaza algo con un elemento de cultura o arquitectura africana.
11. Agrega elementos góticos.
12. Dibujalo denuevo, como si hubiera sido destruido.
13. Agrega elementos defensivos.
14. Quita el elemento o personaje  de enfoque principal, y enfócate en los secundarios.
15. Selecciona un elemento o personaje, y redibújalo con mucho más detalle.
16. Dibujalo denuevo con otra perspectiva.
17. Hazlo de alta tecnología.
18. Hazlo primitive.
19. Agrega un personaje o criatura que interactué con el objeto principal.
20. Reacomoda los elementos de la imagen, o dibújalos en distinta pose.

Intenta hacer más iteraciones, escoge nuevos sujetos. O busca que un amigo te haga una lista nueva. Diviértete.

La dirección de arte puede ser una molesta limitante, o puede ser un reto que ted a la oportunidad de flexionar tus músculos creativos, demostrar tu versatilidad y divertirte. La diferencia entre ambos es tu actitud.

                        


Probablemente has probado algo de perspectiva – comenzaste con un cubo y probablemente pasaste a una escena callejera o un castillo. Y al menos una persona te ha dicho que tu perspectiva está mal. Es difícil.  ¿Cómo pasas del conocimiento básico de la perspectiva al pode hacer un boceto de una escena compleja con precisión y facilidad?

Regresemos al cubo y hagámoslo paso a paso.

Si necesitas aprender lo básico de perspectiva. Checa Perspectiva 101: [link]




Dibuja dos o tres cubos en un plano. Cada cubo debería usar la perspectiva de dos puntos, y solo para hacer las cosas divertidas, ninguno de estos cubos debe repetir el punto de fuga de los otros. En pocas palabras, solo tíralos en un cuarto.

No agregues sombras. Concéntrate en tener los puntos de fuga a las distancias correctas de unos y otros para que parezcan cubos y no rectángulos raros.

Una vez que parezcan cubos, réstale piezas rectangulares a uno de ellos. Haz que parezca la versión Borg del queso suizo. Asegúrate que cada hoyo este dibujado en la perspectiva correcta.

Al segundo cubo agrégale extensiones rectangulares y haz lo que quieras con el tercero.

Entonces dibuja un sol en el cielo que nos de las sombras de los cubos abusados. Ahora dibuja las sombras proyectadas correctamente, nada de bolas.

Lo sé, no es tan excitante como una ciudad con carros voladores, pero llegaremos a eso…




Dibuja otro cubo usando dos o tres puntos de fuga. Agregar agujeros  y extensiones rectangulares. Mantenlo simple y no uses sombras. Ahora, en la misma página, dibuja el cubo de nuevo, pero rotado y en otra posición.

¿Estás familiarizado con el software de 3D? Funcionan usando el centro del espacio 3D en tu modelo.  La cámara virtual que usamos para verlo se puede rotar, y mostrarnos el objeto de todos lados.
Con este ejercicio, quiero crear lo mismo dentro de tu cabeza. Arma una imagen mental de tu figura. Entiende como existe, pero no en dos dimensiones, en 3D. Entonces usa tu libreta para capturar esa imagen.

El dibujo no es lo importante del proceso. Lo importante es tener la imagen tridimensional en tu mente, y usar el papel para comunicar la forma.

Esto es lo que los artistas conceptuales hacen al dibujar personajes, ambientes y otras cosas destinadas a existir en 3D.


                        



La perspectiva atmosférica es una de varias maneras de darle a tus pinturas y dibujos profundidad. Si no estás familiarizado con el término, significa que mientras más lejos un objeto se encuentre de la cámara, aumenta la cantidad de gas que ves para poder verlo.  Así que, mientras más lejos el objeto se encuentra, se vuelve más del color de la atmósfera.

Es más fácil entender la atmósfera si piensas en niebla. En la niebla tu mano se ver completamente normal frente a ti. Los brillos son claros y las sombras oscuras.
Mira al brazo de alguien a varios metros de distancia, y los valores y colores serán más cercanos a los de la niebla.

Aléjate aún mas, y el brazo será solamente una silueta del color de la niebla, pero mas oscuro y con un poco de color piel.

La perspectiva atmosférica ocurre incluso en los días claros, por eso es que las montañas se ven azureas o moradas. Se convierten en el color del cielo, oscurecido por el  color de las montañas.
No es necesario trabajar en color para la perspectiva atmosférica.




Encuentra dos objetos de la misma variedad:  dos tenedores, dos alfiles de ajedrez, etc. Ponlos en una mesa, de manera que uno esté lo más cerca posible y el otro lo más lejos. Colócate de manera que tus ojos estén al nivel de la mesa. Querrás poner los objetos  de manera que veas uno sobre el otro.
Ahora, al menos que vivas en Júpiter o en la cima de una montaña nublada, no vas a poder apreciar realmente la perspectiva atmosférica. Vamos a tener que crearla.

Pista: Boceta ambos dibujos ligeramente. Entonces oscurece el objeto más cercano.

No tienes que hacer un sombreado detallado, pero un poco del mismo es bueno. Hay maneras de manejarlo: puedes asumir que el papel es del color de la niebla y oscurece todas las sombras de manera correcta; o puedes asumir que el papel son los tonos más claros y sombrea los espacios vacíos hasta el nivel de la niebla.

La meta es hacer que el segundo objeto parezca estar mucho más lejos, y no sea solamente un objeto más pequeño.




Repite la tarea 8. Pero esta vez hazlo con dos personajes imaginarios, dos robots, dos dragones o… ya tienes la idea.



                          


Q: ¿Cómo hacer ese salto de cubos, en perspectiva,  dibujos imaginarios, a objetos del mundo real en perspectiva?

A: Boceta la forma básica del objeto que vez, sin preocuparte por los puntos de fuga. Una vez establecido, consigue una regla y comienza a trazar las líneas hasta que tu dibujo tenga todos los requerimientos de perspectiva. Una vez hecho eso, analiza cómo fue encajonado el objeto y trabaja en los detalles.

Los primeros intentos serán  chuecos, tediosos y desastrosos. Cambia de página y prueba de nuevo.




Los muebles son tiesos y generalmente algo cuadrados, así que consíguete una silla, un vestidor o un estante y dibújalo de al menos dos ángulos. No hagas sombreado, solo concéntrate en mantener las proporciones y perspectiva.

Entonces, basado en lo observado, dibuja una pieza similar, de tu cabeza, en al menso dos ángulos. Asi que, si el primero está en un estilo, el Segundo hazlo mas rustico como si fuera hecho por Orcos. Si es un pupitre escolar, conviértelo en algo élfico con todo y un set caligráfico.




Elige un edificio en tu vecindario que solo conozcas de un solo lado. Dibujalo. Bien.
Ahora, imagina la parte trasera de ese edificio. Podría tener una cochera  que mantenga el estilo de la parte frontal. Oh, podría tener una terraza en el tercer piso para que aterricen los dragones. ¡Hazlo!




Si no tienes Photoshop, hay una variedad de medios físico de color que puedes usar en tu libreta.
Medios Secos:
1. Lápices de colores: Son secos y limpios, lo cual es ideal para libretas de bocetos. Pero tienen el problema de tener una pequeña, muy pequeña punta.
2. Caran d’Ache:  Es el nombre elegante del crayón. Es pigmento unido por medio de cera en forma de un palo. No es bueno para los detalles pero funciona mejor en papel de tonos medios.
3. Pasteles de aceite: Son palitos de pigmento unidos con aceite. Son brillantes, pero tienen la terrible propiedad de embarrarse si no se usa un fijador.
4. Marcadores: Son buenos para dar color rápidamente a un boceto, el problema es tener un set gigantesco de ellos y una gama de colores para escoger. Trabaja en área ventilada.




1. Acuarelas: Si usas tu libreta de bocetos, el papel se arrugará. Es un medio difícil de usar, porque una vez que pones color, no hay manera de quitarlo o borrarlo. Pero, hace un buen desempeño en bocetos porque te forza a poner la brocha y continuar.
2. Gouache: Son acuarelas opacas.
3. Tintas: Parecidas a acuarelas.
4. Pintura acrílica: Es pigmento mantenido junto con acrílico. Hace un material de bocetos decente como la actuarela. Pero es mas fácil de usar por que una vez que de seque puedes pintar encima de ello. También tienes la opción de trabajar opaco o trasnparente.
5. Pintura de aceite: No las uses en tu libreta, a menos que quieras esperar semanas a que se seque. Son buen medio, pero para superficies individuals.
6. Combinaciones: Si tienes los distintos medios, no dudes en mezclarlos. Las libretas de bocetos son especiales para experimentar. Podrás ver que uno de los medios es terrible solo, pero combina bien con otros.
Photoshop: Si no te has dado cuenta, Photoshop y los programas parecidos son muy versátiles como medio de colorear bocetos. Te permiten llenar espacios con color de manera muy rápida. Puedes trabajar opaco o con transparencias.  Puedes cambiar los colores con capas, hacer multiples versiones de la imagen. Gana el hábito de usar capas. Olvida el hábito de dibujar en fondos blancos. Consiguete una tablet. Acostumbra a dibujar con la brocha ma grande possible.


                        


Para aprender a dibujar algo, la mejor manera es hacerlo con observación directa. Pero no hay manera decente de pintar la iluminación nocturna  de la observación, todo será muy oscuro para poder ver lo que haces. Digamos que quieres pintar una escena con un ninja en un techo por la noche…




Consigue naturaleza muerta con una fuerte fuente de luz. El solo es preferido, pero una lámpara funciona. Píntalo, haciendo lo mejor para capturar los colores correctamente. Recuerda, es un boceto, así que no pases más de una hora.

Una vez terminado, comienza de nuevo. Esta vez, no uses los colores “correctos”. Usa los mismos valores, pero cámbialos por azules y verdes. Transforma la luz solar en lunar.
Si usas Photoshop, esto es rápido ya que solo cambias los tonos. Pero para aprender correctamente, recomiendo comenzar de cero.



Repite la tarea 12, pero en vez de usar naturaleza muerta, haz algo imaginario – como en ninja en el techo. Píntalo con luz solar y luego con lunar. Usa lo aprendido en la tarea 12.

                         



El gran secreto de pintar los tonos de piel, es que no hay un solo “tono de piel”. La piel está formada con diferentes colores dependiendo de la ubicación.




Pon un espejo y una fuente de luz para que puedas verte a ti mismo con una parte iluminada y la otra en sombras. Entonces, escoge dos colores, uno cálido y otro frío. Uno de estos colores será tu color de sombras, el otro será el de la iluminación. Ajusta los valores de acuerdo al color. Agrega un poquito de otro color a cualquiera de los dos, si es necesario – recomiendo siempre un poquito de amarillo. Entonces, usa ambos colores para dibujarte a ti mismo.

Una vez que tengas un boceto monocromático, entonces agrega otros colores, como rojo para los labios y las orejas. Pero no lo olvides: es solo un boceto. No te quedes agregando detalles. La meta es hacer que los colores queden como tonos de piel.

Mientras trabajas, piensa en distintos posibles escenarios en los cuales el color seleccionado pueda ser útil. ¿Sombra roja y luces azules? Es una figura parada en la orilla llena de lava de noche, o iluminado por el brillo de una bola de cristal. ¿Sombra verde, luces rojas? Está en una selva, iluminado por el sol. Cosas así.

Esta tarea es mejor si se repite de tres a cuatro veces con diferentes opciones de colores. También es buena oportunidad para practicar expresiones locas.

                          


La gente es difícil de dibujar. También son el tema más común en el arte representativo. Entre estas dos cosas, es buena idea practicar dibujar gente.
Lo siguiente, no es para nada una liste de ejercicios final, sino una lista de metas que pueden ser o no útiles.




Hay un gran número de libros que enseñan distintos métodos para dibujar humanos imaginarios. Estos métodos suelen llevar el bocetar miembros como figuras básicas, o comenzar de un esqueleto simplificado. No existe un método correcto. Prueba uno por un tiempo, luego prueba otro o inventa el propio.

Mantén en mente, al menos que,  para poder maximizar el beneficio de estos ejercicios, también necesitarás pasar tiempo observando, y que necesitas pasar algo de tiempo estudiando músculos y huesos, observando si es posible. No sirve de nada bocetar un humano desde el esqueleto si no sabes cómo es el esqueleto humano.

Los cadáveres no se encuentran en todos lados, así que los modelos médicos son un buen substituto. Pero no son baratos y fáciles de conseguir. ¿Tiene tu escuela un modelo plastico? Un esqueleto puede proveer horas y horas de diversión. Dibuja el cráneo, la caja toráxica, los miembros, o entero. Si pides permido, tal vez te permitan poder posarlo en una silla.

También puedes hacer algo de  investigación sobre los modelos plásticos. Con una búsqueda podrás encontrar uno a buen precio. Podrías pedir unos huesos de Navidad…

Existen libros de texto. Gray’s Anatomy es un clásico, pero también hay otros, ya sean para médicos o artistas. Haz algo de investigación, pregunta a otros artistas por sugerencias. Los diagramas en papel no son tan buenos como los modelos, pero mejor que nada. Estudia los músculos: cópialos en tu libreta para que tengas un modelo virtual en tu cabeza.




Escoge una pieza de arte con una persona. Mientras más anatómicamente correcto mejor; y también mientras más esbozada o contorsionada la posición, la mayor diversión. Puedes usar figuras de historietas o a Miguel Ángel -  depende de ti.

Primero, dibuja la figura en tu libreta. Concéntrate en mantener las proporciones correctas.

Ahora tienes 3 opciones: usar papel para copiar, dibuja encima del dibujo, o comenzar un segundo dibujo. Ahora dibuja el esqueleto sobre la figura y usar las referencias necesarias. Asegurarte que los huesos funcionen y estén acomodados de manera correcta.

La versión mas graciosa de este ejercicio que he visto es convertir a Hello Kity en un esqueleto.




Así que,  acerca de esas técnicas para dibujar humanos desde la imaginación usando formas básicas. ¡Genial! Adelante con ello.

Para realmente ejercitar nuestro cerebro, probemos esto:  dibuja a un humano de tu imaginación sentado en una silla. Olvida los detalles. Concéntrate en las proporciones; pon los bloques en su lugar.

Bien. Ahora, dibuja la misma figura, en la misma posición, de un lado. Ahora de nuevo por arriba. Comprende la figura en 3D.



                         




Toma tu libreta y ve a un lugar público con mucha gente, ya sea la zona de comer de un centro comercial o un evento deportivo. Busca un lugar estratégico y piensa como un francotirador que dibuja, y captura las cabezas de la gente que pasa en papel.

Querrás comenzar con gente que esta quita o haciendo algo que no requiera mucho movimiento. Pero lo divertido es capturar gente en movimiento. Para ello, trata que obtener una fotografía mental de la persona en acción. Entonces tradúcelo en el papel.

Un truco es dibujar hasta que la mente olvide los detalles reales. Entonces usa lo que tienes y crea un nuevo personaje basado en ello.

Serás torpe por un rato. Desperdiciarás mucho papel. Pero no te preocupes por eso – todo es parte del entrenamiento. El papel se tira y tu mejoras.




Es inevitable: la mejor manera de aprender a dibujar gente es encerrarse en un cuarto con gente desnuda.

Investiga en las escuelas, cursos de educación continua, cursos para adultos, centros de arte, etc. En algún lugar cercano hay una oportunidad parar dibujar un modelo desnudo. Si eres menor de edad, tendrá que buscar el permiso de tus padres. Haz lo que sea necesario para que puedas ingresar a unos de esos cursos en estudios a mano alzada. Estos dibujos son lo mejor posible para que puedas meter en tu portafolio al querer estudiar artes.




Una vez que tengas acceso a una clase de figura humana, tendrás grandes pilas de bocetos de gente desnuda. ¡Ahora algo más divertido! Copia estas figures, y agregales ropa. ¡Con libertad! ¡Trajes históricos, armadura, cota de mallas, ropa de moda, exoesqueletos mecánicos, trajes de super héroe, partes de animales, lo que sea!




Toma uno de tus dibujos de desnudos y copialo – solo que ahora, usa la tecnicas de “sobrantes” para reconstruirla. Usa la ingeniería reversiva con esto. ¿Donde comienza la técnica? ¿Donde se generalize? ¿Como puedes cambiar el proceso para mejora  una figura humana desde cero?


                         


Si los objetos en tu casa no son interesantes para dibujar, ve a buscar fuera. Busca basura desechada u objetos naturales. Busca en el refrigerador. Un huevo o una naranja, sobras de comida.
Las tiendas de segunda mano suelen tener cosas baratas e interesantes. Cajas con llaves antiguas y otras cosas misceláneas por menos de un dólar. Las ventas de tianguis, con canastas de botellas antiguas y otras cosas.

¿Conoces a alguien con un objeto interesante? Pídelo prestado.

Si nada funciona, créalo tú mismo. Una pieza de origami, cartón y pegamento para hacer un castillo.
Como dicen en Katamari Damacy – “¡El mundo está lleno de muchas cosas!”


               
    

No todos tienen la facilidad de dedicar ocho o más horas al día para mejorar sus habilidades. Para muchos de nosotros, si queremos desarrollarnos, tenemos que incluir la práctica en nuestros horarios ocupados.

Piensa en la creación de arte como la creación de música. Cualquiera que haya aprendido un instrumento te dirá que tienes que practicar diariamente de manera devota por años y años. Hay mucha repetición, técnicas de ejercicios, escalas, acordes, cosas con una gran falta de creatividad (en apariencia). Puede ser aburrido. Del día a día es difícil ver mejoras en tu habilidad. Solo se requiere ver a un mejor músico para sentirse deprimido – motivacionalmente destrozado, por ir en un lento proceso sin progreso.

Desde un principio, uno tiene que prepararse para un lento paso y  el peligro de perder tu inercia. Si buscas el trabajo de mejores artistas, acabas con tu confianza, y pasas menos tiempo viendo al trabajo de mejores artistas. Si eres muy fácilmente distraible con la televisión, juegos o el internet entonces haz lo que puedas para evitar la tentación.

Y en el corazón de todo: crea un horario de práctica. Todo el progreso que hice en piano fue cuando mi profesor me puso a practicar una hora al día, cada día, sin días libres. Ahora yo aplico esto a mi hábito de pintura al óleo. Igual que con la práctica en piano, me enfoco en color, valores, manipulación de pintura, etc.

Me he dado cuenta de que en específicas horas del día trabajo mejor: a primera hora en la mañana. Pinto por una hora, luego me voy a trabajar, hago los quehaceres, ejercito y juego.

Diferentes horarios serán óptimos para diferentes personas. Tal vez seas más productivo antes de dormir. Tal vez  3 horas cada tantos días es mejor. A lo mejor usas un autobús y tienes 15 minutos libres para practicar.

Si quieres ser más específico con tus prácticas, prueba esto: escoge una meta semana. Por ejemplo. “esta semana haré autorretratos”, oh “esta semana haré estudios de color con luz en los objetos reales”, oh “esta semana voy a dibujar robots usando perspectiva”.

                          



Composición es el arte  de trabajar con un rectángulo (u otra figura) con línea, color, valor y forma, con el propósito de hacer un set de patrones interesantes y no representativos.

La composición no es representativa.  Mas bien, una buena composición puede tener objetos representativos, como gente oh edificios oh monstruos, pero no tiene que. Puede ser no más que manchas de color, y ser efectivo. Una buena composición gana tu atención y hace el ojo saltar a partes específicas de la imagen. Una mala composición hace que aviertas tu mirada.




Escoge tu pieza favorita de arte. Puede ser la portada de una novela, la página de una historieta, o un frame de un programa de TV, incluso la pintura de un viejo maestro.

Haz un boceto de esta pieza. Media hora es más que suficiente. Deja espacio en las orillas, porque vamos a tomar notas.

Mira al original. ¿En qué parte capta tu mirada? Es probable que tus ojos sean capturado por partes de la imagen que cuenten una historia. Si alguien amenaza a un perro con un cuchillo, es probable que mires a la cara del atacante, al cuchillo y al perro. Esto no es un resultado automatic de que exista una historia. Tus ojos se focalizan en esos puntos por que el artista acomodó las cosas para asegurarse que son las más importantes.

Considera que esta misma historia del perro y el cuchillo pueda ser contada en un frondoso bosque con una cascada  y un gran castillo de pasto brillando en la distancia. ¿Pero de que sirven esos detalles si solo están decorando? Oh el castillo tiene importancia, o de nada sirve que lo tengamos, porque un castillo flotante de pasto robará la atención del tipo que quiere acuchillar al perro.

De regreso a la imagen. Podemos ver las partes importantes que el artista quiso que viéramos. Oh, tal vez el artista no hizo un buen trabajo y nos quedamos viendo a una aburrida roca. De cualquier manera, toma nota de lo que ves. Incluso dibuja flechas señalando.

¿Ahora, por que nuestos ojos se dirigen ahí? ¿Qué clase de trucos el artista usó o fallo en usar?

Lo probable es que los puntos focales tengan alto contraste. Pueden ser los valores mayors. Las sombras oscuras y las luces brillantes  una al lado de la otra, mientras que el resto es solo gris. Oh hay un gran contraste con el color. A lo mejor el perro es de un brillante naranja, el cuchillo es morado y el resto de la imagen parda. A lo mejor la imagen entera tiene colores, excepto las caras de los personajes.

Oh, tal vez hay formas o líneas que guían como una ferrovía a nuestro ojo. Las areas importantes interrumpen esas vías, como si fueran estaciones de tren. Oh, tal vez los puntos focales son como islas – tus ojos flotan continuamente alrededor hasta que chocan con tierra firme.


                         




Esta tarea requiere de pegamento, tijeras y una revista.
Dentro de cualquier composición hay una docena de otras composiciones. Busca un anuncio de página entera y corta un trozo del tamaño de una estampilla, y trata de ver si el contenido de ese pequeño cuadro tiene una pequeña composición dentro de ella. Pégala en tu libreta.
Llena dos páginas enteras de tu libreta con estas composiciones. En una página pega las que contengan piezas reconocibles, como un ojo, un árbol, o una palabra. En la otra, solo pega las que no contengan nada reconocible -  tal vez los dobleces de una camisa, un poco de piel u otro color. Prueba desde lo minimalista hasta lleno de detalles.

Toma nota de lo que funciona como composición y también de lo que no y el por qué.




Digamos que dibujas una figura solitaria bajando en un vasto arrecife a rappel. Oh un grupo de ninjas huyendo  en un basurero intergaláctico. Oh, una gigantesca estación especial. Cada una de estas cosas consiste de patrones y marcas que no siempre representan algo. ¿Además del reto de lograr que el arrecife tenga cara de arrecife, como logramos que se vea interesante, y como hacemos que funcione en una composición?

Usa una regla para dibujar una serie de rectángulos en una página o dos de tu libreta. El tamaño no importa. Cada uno de estos rectángulos sera una composición entera.Usando tu medio favorite, llena cada rectángulo con marcas. La única regal es: no dibujar nada reconocible. El arte no representativo quiere decir que las marcas y colores deben verse bien, pero sin tener que parecer otra cosa.

Una línea, un valor, patrón, tono, forma o cualquier cosa que haga que los rectángulos se vean interesantes. Usa esto para explorar que funciona y que no – ¿cuales rectángulos te gustaría publicar para ver? ¿Cuál quisieras tirar? ¿Por qué?

Aprovecha y usa esto para encontrar tu medio que sirva de nicho.

Si quieres volverte metódico con esto, haz entonces una serie más larga. Haz una serie de imágenes que se centren en el valor, otra que se centre en líneas, etc. Identifica con que elementos te sientes más cómodo y mejórale.

Por cierto – no agonices con ninguno de estos. Deben ser rápidos y divertidos. Pasa el tiempo que sientas, y no más.




Digamos que tienes que dibujar un edificio con perspectiva – y que también tienes que hacer una buena composición. ¡Son dos problemas técnicos a conquistar de una sola vez! ¿Cómo lo hago?

Comienza con una silla, una caja de carton, cerillera, loncheras u otro objeto formado por rectángulos. Ponlo en el centro del cuarto y dibújalo. Por ahora, dibuja solo la silueta.

Entonces, ya que tengas una versión correcta de tu objeto, dibuja un rectángulo a su alrededor. Estudia la relación entre el objeto y el rectángulo – ¿lo convierte en una composición más fuerte en la parte inferior, o en la parte izquierda? ¿Mejora la composición si muestro solo parte de la silla? ¿Tiene el espacio negativo tanta importancia como el objeto? Si no, eso es bueno.




Repite la tarea 25, pero usando un objeto imaginado. Comienza de algo simple.




Repite la tarea 25, pero con un personaje propio. Dobla, tuerce y posa tu personaje para hacer el espacio negativo interesante. Un personaje bien diseñado es bueno, pero un personaje bien diseñado en una composición atractiva es mejor.






Comunicación – es el asunto mayor de la ilustración. Algunos ejemplos de comunicación en ilustración: “este es un tipo con una espada”, “este libro contiene romance medieval”, “las alas de este dragón pueden mantener su peso en el aire”, “este es George Bush”, “este es un genial nuevo diseño automotriz”, “este paisaje invoca tristeza”.

La comunicación en imágenes incluye todo desde  generar una idea de un material (pasto, piedra, carne, etc.) que actúa, convenciendo a un estado de ánimo dentro de marcas no representativas.




Escoge un estado emocional – felicidad, tristeza, furia, etc. Sin usar un solo icono simbólico o representativo (quiero decir no imágenes de algo) trata de generar ese estado anímico. Usa colores, formas, líneas, valores -  lo que quieras.

Para mejor efecto, crea dos y al final compáralos.

No existe una “respuesta correcta” en esta tarea. Si te intimida la idea de dibujar solo marcas y formas – que no sea así. Hay artistas que han hecho su carrera a partir de dibujar marcas y formas, quienes quedarían intimidados con la idea de dibujar un súper héroe; y hay ilustradores que huirían de dibujar arte no representativo. Pero los artistas más versátiles son los que pueden hacer ambas cosas, usar marcas y formas para fomentar el humor en el que se encuentra el súper héroe.




Consigue naturaleza muerta, dibuja un escenario por observación, o dibuja algo directo de observación. Pero antes de comenzar, escoge un estado de humor. Tal vez dibujes una pera, o un zapato. Haz una pera triste, o un zapato enojado. No agregues nada imaginario a esta, nada de caras tristes ni espinas oxidadas. Usa cambios en color, forma o marcas para comunicar el humor. Tal vez la pera se sume un poco en tu imagen más que en la realidad; tal vez los colores cambiaron a  azules y grises. Tal vez el zapato está en tonos rojos y brochazos violentos.

Si hiciste la tarea 28, puedes aplicar el mismo estado anímico y técnica a esta imagen representativa.




Cuando incluyes una persona en tu imagen, la persona no solo se sienta ahí como una fruta. La persona se vuelve un actor. Tú eres el director, y depende de ti decirle como debería actuar.

Saca un espejo. Imaginate en un lugar fantastico donde algo dramatico está sucediendo. ¡Te secuestran alienígenas! ¡Diriges a un ejército al campo de batalla! ¡Ganaste la lotería! ¡Estas a punto de ver el fruto de años de planes maléficos!

¿Tienes una buena expresión facial? Bien. ¿Tienes iluminación dramatica? Ilumínate desde abajo y agrégate tenebrosidad. Una brillosa y candente luz de lámpara, con una leve iluminación secundaria ayuda a reproducer la luz solar.




Para esta tarea, necesitas a un amigo. Se dibujarán mutuamente. No, no tienes por que quitarte la ropa.

Comienza por escribir una lista de ideas de escenas dramáticas. Por ejemplo, acabas de entrar a un agujero lleno de serpientes. ¡Derrotaste a tu enemigo en batalla! ¡Perdiste tu billetera! ¡No pudiste salvar al mundo de la destrucción! Mantén estas ideas a la mano, por que si nunca has posado como modelo antes, puede ser algo apenante, o tener un ataque de risas o incluso pensar “¿Qué diablos hago aquí?”

Ahora, tomen turnos apra dibujarse uno al otro. Para el modelo: Haz grandes poses dramáticas. Usa cada parte de tu cuerpo. Si solo puedes mantener la pose por medio minuto, dile a tu amigo que boceté rápido. Para el dibujante: no te preocupes por las expresiones faciales y no pierdas tiempo con los detalles de la ropa o el cabello. Captura el cuerpo entero – brazos, piernas, torso, cabeza, manos y pies. Haz algo mas substancioso que figuras de palos, trata de generalizar formas.

¡No olvides las poses divertidas como volar! El modelo puede ponerse en poses horizontals o de cabeza usando una silla o el suelo.  Intenta poses con esbozo, eso quiere decir dibujar desde la punta de la cabeza o desde los pies, en vez de solo dibujar un lado.

                      


¿Conoces ese sentimiento al ver una imagen hecha por tu artista favorito, y tú amas esa imagen, pero lo hecho parece que fue hecho con una imposible superioridad de tu propio nivel, y que no tienes manera de obtener resultados similares? Todo artista, incluso los mejores, se han sentido de esta manera ante sus héroes. No dejes que esto de deprima y te evite verlo como arte que amas.

Ya sea que asistas a una escuela de arte, lo hagas por tu cuenta, necesitas imponerte metas, decide como llegarás a las mismas, y entonces haz todo lo necesario para lograrlo.




Escoge una de esas piezas de arte que te inspiran a ser artista. Pega una copia a tu libreta, o boceta una versión rápida de ella. Entonces, haz una lista de todas las cosas que el artista debió conocer para poder hacer la imagen.

Ejemplos:

1. Anatomía humana: Tienes que saber cómo se construye un humano, por la investigación hecha, puedo decir que Gurney  toma fotogafías a amigos y familiares como referencia.
2. Anatomía de dinosaurio: Gurney tuvo que hacer mucha investigación para dibujar correctamente a un dinosaurio. No usó solamente Google, estudió esqueletos, reconstrucciones, ilustraciones científicas y juguetes.
3. Actuación: Una historia se cuenta aquí. Cada humano y dinosaurio tienen lenguaje corporal y expresiones que nos lo dicen.
4. Botánica y Escenario: Aunque las plantas y árboles juegan un rol pequeño, si Gurney no hubiera pensado en la manera en que el pasto se aplasta contra el suelo al ser pisado no ser sería lo mismo.
5. Pespectiva: Esas tiendas de campaña tuvieron que ser dibujadas en la perspectiva correcta antes de ser parte de la imagen.
6. Otras mas como: perspectiva atmosférica, luz, valores, color, telas, trajes, arquitetura, utilería, composicón, etc.

Es una larga lista y está llena de temas difíciles, pero se puede desarmar en una serie de pequeñas pinturas con muchos temas difíciles. Se pueden estudiar cada uno de esos puntos independientemente de los demás. Y al final es poder hacer una imagen como la hecha por James Gurney, pero para poder lograr esa larga meta, tengo que lograr las pequeñas metas que la componen en su totalidad.





Cada persona que va a una escuela de arte pasa por la agonía de decidir que poner en su portafolio. No estás solo y tal vez esto te ayude.

Primero que nada, deberías conocer la diferencia entre un portafolio estudiantil y uno profesional. El profesional existe para mostrar a un potencial empleador que eres capaz de llenar un nicho específico. Así que si buscar un empleo como modelador/texturizador en una compañía de videojuegos que hace juegos deportivos,  entonces ese portafolio debe contener muchos ejemplos de material deportivo, modelos y texturas. Tu portafolio debe ser muy específico.

Como un estudiante que quiere entrar a la universidad, debes mostrarle a la escuela que eres capaz de crecer en muchos roles.  Así que debes hacer un portafolio general, no uno específico.
Diferentes universidades y diferentes programas artísticos van a buscar cosas muy diferentes. Primero que nada, deberías escuchar lo que la universidad te dice que pongas en tu portafolio.

Asumiendo que vas a una escuela en la que enseñan algo mas vagamente ilustrativo, y asumiendo  que la universidad no tienen muchas instrucciones específicas a seguir, sigue los siguientes lineamientos:

Muestra a la Universidad que puedes manejar diferentes habilidades académicas como color, valor, composisión, escultura y dibujo.

Muestra a la universidad que has trabajado un rango de medios, como lápiz, acrílico, collage, Photoshop, arcilla, etc.

Muestra a la universidad que puedes producir buen trabajo en una variedad de tiempos, desde bocetos hasta proyectos con docenas de horas.

Escoge una variedad de temas.

Muestra una variedad de estilos.

Muestra artes de varias fuentes, desde lo real hasta lo imaginario.

El tema importa. Es possible que la gente de admission quieran ver algo de vida real. Algo que no sea de fantasia, este tipo de gente también gusta de verte no representativo con un buen sentido de color y composición.

Dibujar gente es Buena idea.

Fuentes. Evita include arte copiado directamente de fotografías, sobre todo si no eres el fotógrafo. La gente de admisión sabrá que es una foto copiada y no quedarán impresionados.

No entres en pánico si tu portafolio no cubre todas las recomendaciones o si rompes mis reglas. Cada persona de admisión espera algo distinto de todas formas.



                        

Si estuviera organizando esta clase de manera correcta, entonces hubiera puesto estas tareas al principio. Oops.

Valor es la cantidad de luz o sombra en una imagen. Una fotografía en blanco y negro es puros valores y nada de color. Valor es blanco, negro y todos los grises que hay en medio. Esto es “sombreado”.

Las siguientes tareas deberían ser pequeñas y rápidas. En serio: no agonicen con ellas. Están pensadas para que aprendas los valores y ganes rápidamente una nueva habilidad. Si te tardas mucho en ellas, te puedes aburrir; si te aburres, no las acabarás, si no acabas las tareas, entonces no sirven de mucho.



Busca en tu casa varios objetos blancos. Busca formas simples como la cerillera, pasta de dientes, un hisopo. Ponlos sobre una hoja de papel blanco y agrega una luz fuerte sobre ellos.

Tienes tu herramienta de dibujo y tu colección de simples objetos. Dibuja cada objeto (y sus sombras proyectadas) usando diferentes técnicas de sombreado.

Sé rápido y fluído. Si usas una pluma, haz este ejercicio sin ninguna línea de lápiz. Prueba métodos que jamás hayas usado.




Cuando un fotógrafo imprime una fotografía en blanco y negro, ellos toman una gran decision: cuanto de la fotografía, si es que alguna parte del todo, va a tener que estar en papel blanco y cuando de ella , si es que es necesario, va a tener el negro más oscuro posible. Cuando trabajas con valores, tienes que tomar esta decision. Puedes escoger el hacer el dibujo con el mayor rango de blanco a solamente un pálido gris. Puedes decidir llenar todo de carboncillo y dejar solamente algunas luces.

Una imagen que lleva de blanco a gris es considerada de “nota alta”. Una imagen que lleva de grises a negro es “nota baja”. Una “nota neutral” es justo el balance entre el blanco y negro. “Contraste” se refiere a la diferencia  en una imagen de sus luces y sombras. Una imagen con fuertes blancos y negros tiene alto contraste. Una imagen hecha de sutiles grises, pero que evita blancos y negros, tiene bajo contraste.

Escoge otra colección de objetos blancos. Dibujalos dos veces. La primera que sea en nota alta – dejando la mayoría en blanco. La segunda en nota baja. Que las partes oscuras sean más negras y que todo sea gris menos las luces mayores.




El unto de dibujar objetos blancos es A. no hay color con que confundirnos, y B. es realmente fácil ver lo que hace una luz en la superficie blanca. Pero no todo en el mundo es convenientemente blanco. Así que, toma otro viaje en tu casa. Ahora busca elementos negros y grises. Ponlos sobre una hoja de papel blanco, una luz fuerte, justo al lado de tus objetos blancos y dibuja.




Ya debes estar cansado de todos esos dados y botones. Ahora algo divertido: inventa una criatura o robot que tenga segmentos blancos y negros. Piensa en una ballena asesina o una patrulla policiaca. ¡Y, usando lo que aprendiste… dibújalo!